CONTENIDOS INFANTILES EN TELEVISIÓN. NUEVA TÉCNICA ANALÍTICA GLOBAL

Mariano CEBRIÁN HERREROS

Catedrático de Información Audiovisual de la Universidad Complutense de Madrid

Resumen. El artículo ofrece un análisis sobre las estrategias de la programación  infantil en las nuevas dimensiones de la televisión. Para ello se aplica una técnica analítica global e integradora capaz de ofrecer una visión de conjunto de la compleja programación actual de los contenidos según los modelos imperantes de la televisión.

Frente a los estudios tradicionales que se centran sólo en los canales generalistas en este caso se aborda el tema mediante un enfoque en el que se interrelaciona la presencia de los contenidos infantiles en los tres grandes modelos de la televisión actual: el generalista o de competitividad exacerbada de los canales de cobertura estatal y autonómica mediante contenidos heterogéneos, el multitemático o de ofertas especializadas en determinados contenidos y el convergente de la televisión con internet que está dando sus primeros pasos para integrar las ofertas de ambas. Junto a estas estrategias aparece otra combinatoria de las tres para explorar nuevas modalidades de explotación multimedia de los productos televisivos y otros ajenos. El modelo que se propone en este trabajo en lugar de plantear el tema de manera cuantitativa se centra en los aspectos cualitativos de las estrategias, innovaciones e interrelaciones de los tres modelos.... (Información tomada de Zer - Revista de Estudios de Comunicación)

Clasificación y géneros de los dibujos animados.

Mtra. Virginia Estela Reyes Castro

Es difícil encontrar en la literatura de los dibujos animados algún autor que hable sobre su clasificación. Existen investigadores, que más bien se han especializado sobre algún aspecto de la animación. Por ejemplo, hay quienes hablan sobre dibujos de animales, (Jeff Rovin) otros sobre largometrajes, (Jorge Fonte) algunos hacen referencia a los didácticos, pero no existe ningún autor que hable estrictamente de cómo se clasifican los dibujos animados.
Por consiguiente, todo el intento de clasificación expuesta a continuación es la síntesis de la diversa literatura consultada y de las conclusiones y propuestas a las que se llegó para poder clasificar el dibujo animado.
Es necesario señalar que los criterios para clasificar los dibujos animados sirven en primer lugar, para conocer las diferentes formas de clasificación, en segundo lugar, para ubicar dentro de esta clasificación a los dibujos animados de entretenimiento o comerciales, y finalmente para señalar la importancia que tienen como objeto de estudio, ya que se los pueden realizar desde diversas perspectivas.

Actantes
Una primera clasificación que proponemos del dibujo animado corresponde al uso de figuras o sujetos que cumplen la función de actantes dentro de las historias.
Antes de introducirnos en esta primera propuesta de clasificación se va a definir lo que aquí se va a entender como actante.
"Aplicado al análisis del relato, un actante es una amplia clase que agrupa en una sola función los diversos papeles de un mismo tipo: héroe, adversario, etc. El conjunto de los papeles actanciales es, para Greimas, el paradigma de las posiciones sintácticas modales (querer, poder, deber, saber) que los actantes pueden asumir en el transcurso de la narración. Por lo que el actante, para este autor, es la unidad sintáctica de la gramática narrativa de superficie, y se descompone en papeles actanciales” (Beristaín, 1985:5). En concreto el concepto sirve para denominar al participante (persona, animal, objeto) en una acción.
En las narraciones de dibujos animados encontramos tres figuras o sujetos que cumplen la función de actantes: los animales, los humanos y los objetos que hacen las veces de héroes, agresores, villanos, amigos, enemigos, etc. O bien, existen dibujos animados en donde se mezclan actantes humanos con animales, etc.
¿Por qué decimos que los animales, objetos, o humanos en las historias de dibujos animados son actantes o una clase de actor?, porque consideramos que las acciones son manifestaciones de un actante, es decir, en el relato los actantes se definen de acuerdo al rol que representan según el contexto de acción en el que participan. Por ejemplo, el protagonista de un relato como en el dibujo animado “Popeye en Sindbad el marino”, Popeye, es el sujeto enamorado de una mujer llamada Oliva, quien es el objeto, la relación se funda en el amor que impulsa al sujeto a alcanzar su objeto. El antisujeto (oponente) en este caso sería Brutus, quien es el que estorba a la relación o el que ofrece resistencia a la voluntad del sujeto, es decir, dos sujetos que desean el mismo objeto y por lo tanto son antagonistas.
De esta forma encontramos en los dibujos animados, que los actantes no sólo son humanos sino también animales, objetos y seres de ciencia ficción, quienes antropomorfizados cumplen funciones o roles dentro de un contexto dado.

Actantes animales
Los dibujos animados de animales hicieron su aparición "a finales del siglo XIX se vio el nacimiento de dos formas, las series cómicas y películas de largometraje, las cuales no tardaron mucho para que los animales debutaran como personajes (...). (Rovin, 1991: V).
"El uso de animales antropomorfizados en los dibujos animados viene de la literatura fabulista y moralizante de Esopo o La Fontaine, a través de su dedicación a la literatura infantil” (Barbieri, 1991:79). La mezcla de aspectos animales y humanos permite también caracterizar a los personajes a través de la atribución de cualidades del animal del que adoptan los rasgos.



En las series cómicas comenzaron a surgir infinidad de animales. El primer animal que se representó en dibujos animados fue “Gertie, la dinosaurio” creada por Winsor MacCay. En las dos primeras décadas del siglo pasado surgieron las primeras estrellas animadas de animales antropomorfizados, "Felix el gato", "El perro Bimbo", creaciones de los hermanos Fleischer; más adelante surgieron "El Conejo Oswald", "El Ratón Mickey", el "Pato Donald" de Walt Disney, después llegaron los de Hanna-Barbera; "Ruff and Reddy", "Tom y Jerry", "Don gato y su pandilla", "El Oso Yogui"; o los de la Warner Brothers, "Bugs Bunny", "Porky", "Elmer el gruñón" etcétera.
“Mickey fue el típico chico, limpio, feliz, cortés y listo. Mickey, nacido ratón, se convirtió en persona en el séptimo u octavo cortometraje, "The Plow Boy", porque el público deseaba aceptar que Mickey, un pseudorratón, se convirtiera en un chico, y Goofy, un pseudoperro, en un hombre. Estas criaturas fantásticas vivían en un ambiente igualmente fantástico, entrelazado con la normalidad y la magia. El chico-ratón, el hombre-perro, el joven-pato se convirtieron en creíbles porque su actuación fue creada usando los mismos principios que los actores (Bendazzi, 1994:65). De esta forma Walt Disney pensó que cada personaje requería de su propia personalidad, para ello el había estudiado su mímica facial, gestos y expedientes actorales, características que se pueden apreciar en la figura de Mickey Mouse.
"Lantz estuvo durante mucho tiempo con la idea de crear animales que no hubieran sido usados como estrellas de caricaturas anteriores. El panda fue una idea novedosa chispeada por la atención nacional dada al panda donado al zoológico de Chicago, escribió Leonard Maltín” (Citado por Bendazzi, 1994:87).
Eran series cortas, como ya se había mencionado, duraban entre 4 a 20 minutos, tendían a ser historias repetitivas sin desarrollo de un gran trama.
A diferencia, los largometrajes se pueden caracterizar por ser relatos de aventuras y fantasías que ya contienen una historia donde participan diversos personajes, que actuan en un tiempo y espacio determinados, además de tener una continuidad. Las películas que contienen las características antes mencionadas son: "Bambi", "Dumbo", "Fantasía", "La dama y el vagabundo", "La noche de las narices frías", "Los aristogatos", por citar algunas.

Actantes Humanos
El trabajo con los personajes humanos fue el mismo que con los animales, al realizar cortos sobre animación cómica o de aventuras. "Popeye", "Los Picapiedra", "Los Supersónicos", en esta época (años treinta, cuarenta) resaltan más los dibujos de animales que de humanos. Es propiamente con el surgimiento del largometraje, cuando las figuras y las expresiones fueron caricaturizadas y alimentadas a partir de un trato más "realista” "Blanca Nieves y los siete enanos” (1934), "La Bella Durmiente" (1959), "La Cenicienta" (1950), "Peter Pan" (1953), "La Bella y la Bestia" (1991).



Actantes objetos
Los actantes objetos hicieron su aparición con los personajes que elaboró James Stuart Blackton, quien exhibe en 1907 "El Hotel Encantado", un filme de acción real en donde se podía ver una mesa bien servida en la que los cubiertos se movían solos (Bendazzi, 1994:8).
También encontramos muestra de actantes objetos, en diversos dibujos animados didácticos y publicitarios: los que hablan del condón o anuncios como jeringas, insecticidas, etcétera.




Normalmente los objetos que aparecen en los dibujos de entretenimiento tienen atributos mágicos, como la varita mágica aunque en la actulidad son pocos los dibujos animados de entretenimiento en que las acciones son cubiertas por objetos.
Finalmente, existen dibujos en donde se mezclan animales antropomorfizados con humanos, animales prehistóricos con personajes u objetos con personajes. Como ejemplos están "Betty Boop", en donde ella actúa con animales que realizan actividades que harían seres humanos, "Pinocho" es otra película en donde un grillo es la conciencia de Pinocho y Pinocho un juguete de madera que cobra vida para acompañar a un anciano que se encuentra solo.


Clasificación por categoría.


Algunos investigadores han clasificado a los dibujos animados según sus diversas posibilidades de aplicaciones y técnicas. Hoy en día se emplean en muy diversos campos; se puede hacer animación para cortometrajes y largometrajes, para la televisión (de entretenimiento o llamados también comerciales), para publicidad y propaganda y para películas instructivas o educativas.
Según José Antonio (citado por Medina, 1992:132), deben distinguirse tres variantes con respecto al dibujo de humor animado; "la película de largometraje, donde se desarrolla una historia generalmente basada en cuentos famosos, fantásticos y moralizantes; la película de cortometraje, que representa un tema y situaciones graciosas derivadas de los personajes y las relaciones entre ellos y con su medio ambiente, y la propaganda muy breve, muy breve (de 15 a 30 segundos); en las tres formas hay ejemplos de dibujos animados con fines didácticos”.
Como ejemplo de los cortometrajes de entretenimiento podemos citar a "Félix el Gato" http://www.youtube.com/watch?v=shULZeBfiiw&feature=player_detailpage, "Popeye el Marino", "Betty Boop", "El conejo Oswald", "El ratón Mickey", "El pájaro loco", "Tom and Jerry", "Porky's", "Bugs Bunny" el "Pato Donald", "Terry Toons", "La pantera Rosa", "El correcaminos”.
De largometrajes de entretenimiento: "Dumbo", "La Cenicienta", "La sirenita”, "La bella y la Bestia", "Alicia en el país de las maravillas" "La dama y el Vagabundo”, “101 Dálmatas”, etcétera.
Otro campo explotado son los dibujos animados elaborados para la televisión, "Tom y Jerry", "Los Picapiedra”, “Los supersónicos”, “El oso Yogui”, “La pantera Rosa” etecétera.
La publicidad y la propaganda es otra forma explotar los dibujos animados. La producción de cortos incluyeron propaganda anti-Nazi en filmes tales como "Der Fuerer's Face", "Education for Death" ("La Cara del Führer"), ("Educación para la muerte") y Reason and emotion ("Razón y Emoción") (todas de 1943). "Victory Through Air Power" ("La Victoria a través del Poder Aéreo") fue otra expresión de la participación de Disney en el esfuerzo bélico. Convencido del rol decisivo jugado por la Fuerza Aérea, Disney produjo, bajo sus propios gastos, este filme de larga duración apoyando a la mayor producción de bombarderos bajo el mando del Mayor Alexander de Seversky.
En la publicidad, la animación es empleada para elaborar spots que van dirigidos a la audiencia infantil y en otros casos para hacer más divertido un mensaje. Ejemplos de publicidad de dibujos animados son: Pancho Pantera, El gallo y el Tigre Toño de Kellogg's, El conejo de Quik, El pájaro Serfin y el señor Serfin, Las hormiguitas de Banamex, etc.
Y finalmente otro uso que se le da al dibujo animado es en la realización de películas educativas e instructivas. Entre otras empresas de la década de los veinte se produjeron dos documentales científico-educacionales que hicieron a Max Fleischer especialmente orgulloso: "La teoría de la relatividad de Einstein" (The Einstein Theory of Relativity, 1923) y "Evolución" (Evolution, 1925, basada en la teoría de Charles Darwin) tan sólo partes de estos dos documentales fueron animadas.
Después del ataque Japonés a Pearl Harbor, el 7 de Diciembre de 1941, los estudios de Disney en Bubank establecieron una relación muy intensa con el Gobierno, la Armada y la Marina. Filmes educacionales, técnicos y de entrenamiento fueron liberados en un ciclo continuo, que sobrepasó el quíntuplo de la producción anual.
1.4.3 Los dibujos animados comerciales.
Como ya se mencionó, los dibujos animados pueden ser largometrajes o cortometrajes. Y dentro de esta clasificación de formas de presentación, existen dibujos comerciales o dibujos didácticos. En esta investigación se estudiarán únicamente los dibujos animados comerciales.
Los dibujos animados de entretenimiento son también llamados "comerciales" y aunque satanizados por los críticos, no se puede negar que todos los hemos visto alguna vez y que son los más difundidos.
Los géneros comerciales, según Tudor, (1975:195) “(...) rara vez son inquietantes, innovadoras o abiertamente atípicos, y ello por evidentes razones comerciales. La misma existencia de un conjunto de parámetros convencionalizados en los géneros empuja a las películas hacia la norma. Un género es un modelo cultural relativamente fijo. Define un mundo social y moral; así como un entorno físico e histórico”.
Evidentemente, el desarrollo de los dibujos animados de entretenimiento y la producción en gran escala, trajo como consecuencia su estandarización, ya que se basaban en fórmulas que fue imponiendo la comercialización.
Es importante volver a insistir que no existe un criterio único para analizar y clasificar los dibujos animados además de ser una tarea arriesgada y subjetiva. Pero quiérase o no, hay dibujos animados que por su temática, se inscriben en un género preciso, y hay otros que contienen muchos elementos por lo que podríamos ubicarlos en varias categorías con el fin de poder clasificarlos, para este trabajo se ha tomado en cuenta ciertas características de las obras como su contenido o temática y su interpretación.
Para García, (2002:47-48) "Un género es el grupo o categoría que reúne obras similares; ahora bien la similitud deriva de compartir una serie de elementos formales y temáticos”.
Como se está tomando en cuenta la temática para clasificar los dibujos animados, se hace necesario definir lo que se va a entender por tema: "Para las metodologías que se preocupaban de los contenidos de la obra literaria, el tema es el centro de organización de aquélla; y era tarea de la crítica llamada temática, describir tal núcleo genético fundamental. Actualmente en la literatura se sigue utilizando este concepto y lo define de la siguiente manera: El tema es precisamente el motivo fundamental de una obra, que puede ser definido por una descripción del contenido (del fondo) o psicología” (Marchese y Forradellas, 1991:398).
Según Tomachevski "tanto la obra como cada una de sus partes tiene un tema: aquello de lo que se habla" Según Veselovsky, "el tema puede descomponerse en motivos a los cuales integra y unifica" (citado por Beristaín, 1985:350).
Basados en las constantes que se repiten en las obras de dibujos animados y por las descripciones de su contenido, se pueden identificar los siguientes géneros: humorístico, aventuras, ciencia ficción, acción, superhéroes, infantiles, soap opera y fantástico.

Cómico o humorístico
Los dibujos cómicos utilizan principalmente a animales como personajes. Este género surge a principios del siglo XX. Lo que caracteriza a los dibujos animados humorísticos es que son pequeñas secuencias que duran entre 4 y 20 minutos, en donde lo cómico estriba en la agresión corporal y sus consecuencias lacerantes. Intervienen pocos actantes, en historias que se centran en repetir y multiplicar la paroxística de los intercambios agresivos entre dos o tres personajes. Es también característica de este género que se maximice la causa y minimice el efecto de los intercambios agresivos, así como ahorrar en lo posible el número de personajes, anular el tiempo, reducir en lo posible la figuración del paisaje y sobre todo, limitar el minirelato.
"El cine de animación cómico pareciera negar tanto el relato, pues este es reiterativo y simple, pues no ofrece variantes cinematográficas notorias (aunque sí multiplicación de variantes icónicas)” (Traversa, 1985:131). Ejemplos de este género son: "Felix el gato", "Popeye", "Tom y Jerry", "El Pájaro Loco", "El correcaminos", "Piolín", "La pantera rosa", "Garfield", "Rocko y su vida moderna", "Catdog", "Ren y Stimpty"...
"Tom y Jerry" producida por Hanna y William Barbera en 1957. La historia radica en que el gato atormenta al ratón, pero finalmente, después de toda clase de adversidades, el ratón ve la oportunidad de hacer sufrir al gato haciéndolo correr, rompiendo o perdiendo cosas de tal manera que el ratón se lleva la última carcajada (Rovin, 1991:267).

"El gato y el ratón reproducen al infinito su eterno conflicto, repitiendo a cada paso una pequeña anécdota que culmina en una laceración física que reparada un momento después da origen a otra, cuya culminación es ser idéntica (...) como motivo de lo cómico” (Traversa, 1984:128).

Aventuras
Los dibujos de aventuras utilizan principalmente personajes humanos. En sus orígenes este género se caracterizaba por contar historias más largas que las de otros géneros, aunque todavía se limitaban mucho los cambios de escenarios, así como la participación de personajes. Con el surgimiento de las películas de largometraje, el número de actantes se incrementa, son relatos más completos, con un tiempo y espacio apropiados, debido a que varias de estas historias están basadas en obras de la literatura universal; los escenarios son más variados pues se sitúan en un contexto histórico y social, específicos, como en los tiempos de guerra, en el mundo de la naturaleza, en el mundo de los viajes, etcétera.
Gran parte de los dibujos animados de este género tiene como antecedente las novelas e historietas. Algunos ejemplos a citar son: "Kimba el león Blanco", "Las aventuras de Tom Sawyer" (1980), "Las aventuras de Huckleberry Finn" (1976), “Campeones (1983) "Dartacán y los tres mosqueteros" (1981), "Emperador de la Jungla" (1965), "Las fantásticas aventuras de Fly" (1986), "El mago de Oz" (1986), "Ruy el pequeño Cid" (1984), “Remy” (1977) "Mujercitas” (1987), etcétera.
"Las aventuras de Tom Sawyer" producida por Nippon Animation (1980). Obra de Mark Twain adaptada por la animación japonesa, de atmósfera picaresca imberbe, relata la historia de Tom y sus amigos quienes en la aventura logran desbaratar planes de cacos y maleantes (Riera, 1996:14).

Ciencia Ficción
Como ya se había señalado en párrafos anteriores, son los japoneses quienes inauguran este género. Son dibujos en donde se mezclan humanos con personajes de ciencia ficción, (animales tipo prehistórico, aliens…).
La mayoría de ellos son relatos que también contienen tiempo y espacio y siempre desarrollan una historia en donde los héroes salvan al mundo de los personajes malos (aliens). Son historias con gran contenido de violencia, pero generalmente justificada en razón de la paz en la tierra.
Para entender lo que se entiende como ciencia ficción en el cine, se citan definiciones sobre este género de dos autores: Para el francés Jacques Goimard "La ciencia ficción es un género que comporta un cambio de verosímil y desempeña una función mítica” (Bassa y Freixas, 1997:24).
"La ciencia-ficción, por su parte, plantea la existencia de otros mundos o de un posible futuro en la Tierra. Salvo excepciones, la vida extraterrestre había sido imaginada en términos muy simplones - platillos voladores que atacan a los terrícolas- que anunció la repentina madurez del género” (García, 2002:56).
Después de revisar las dos citas anteriores podemos sintetizar que en la ciencia ficción existe una irrupción de lo imaginario en lo real, utilizando a la ciencia como cómplice de la fantasía y cumpliendo así un rol mítico.
En las últimas dos décadas dicho género ha presentado viajes espaciales de todo tipo, incluso a través del tiempo; "Transformers" (1985), "Spiderman", "Los cuatro Fantásticos", "Dexter", "Batalla de los Planetas", "Conan el chico del futuro", "Robotech (1985)"; así como contactos con culturas extraterrestres; "Dragón Ball" (1989), "Pokemon", "Sakura cart captore Musculman", "Niños al rescate", "Spawn", "Digimon", "Sailor Moon" (1992), "Las chicas superpoderosas”.
La temática de "Transformers" producida por Toei Doga en 1985, se basa en que "en los confines de la galaxia existe un planeta dominado por la vida mecánica. Su nombre es Cybertron y está habitado por robots inteligentes capaces de transformarse en diversos y sorprendentes elementos (vehículos animales etc.) Dos facciones opuestas luchan por la supremacía del planeta. Destron, liderada por el malvado Galvatron, y Cybertron, acaudillada por Convoy. Entre unos y otros van a parar a la tierra, donde prosigue su lucha cotidiana involucrando, ya de paso a la población humana" (Riera, 1996:62).




Acción
Este género también se caracteriza por un alto contenido de violencia. Son dibujos en los que la técnica del movimiento es empleada constantemente; de ahí que prescinda de los escenarios. Siempre se lucha contra el mal.
"Meteoro" (1967), "Los caballeros de Zodiaco" (1986), "Cinco Samurais" (1988), "Las tortugas Ninja” La serie "Los caballeros de Zodiaco" producida por Toei Doga en 1986. Protagonizada por Seiya, un temerario e intrépido luchador, revela el enfrentamiento entre varios caballeros que representan indistintamente temas de la mitología Griega, oriental, nórdica, etc. Así encontramos al Shiryu, el caballero del dragón; Hyoga, el caballero del cisne; Ikki, el caballero del Fénix, Shun, el caballero de Andrómeda, todos ellos defensores del bien o maleantes dotados de poderes y armaduras sobrenaturales que representan constelaciones y animales varios” (Riera,1996:18).

Superhéroes
En este género se combina la violencia con la acción, en historias donde siempre el "malo" sale perdiendo de la manera más brutal posible. La justicia y la violencia serán, pues, los dos ejes dramáticos principales de la acción. La mayoría de estos filmes tienen su origen en el comic, "La mujer maravilla", "Superman", "Batman", "El hombre araña", "DicK Tracy"…
"Superman" "realizada por Toei Animation, narra la aventura de un superhéroe que proviene de Kriptón, un planeta más avanzado que la tierra. Sus facultades están relacionadas de alguna manera con la tecnología: vista de rayos X, velocidad supersónica, etc” (Gallo, S/F: 124).

Infantiles
El contenido de estos dibujos es solamente entretener al público infantil. Su línea argumental es sencilla de exponer, generalmente son pequeños relatos en donde la temática se repite una y otra vez, el número de actantes también es reducido, ejemplos de este género son: "Daniel el Travieso", "Topo Gigio" (1988), "Muppet Babies" "El gato con Botas", "Doraemon" (1973).
"Topo Gigio" producida por Nippon Animation en 1988. El famoso ratoncito creado por María Peregó. "Imagínese de que va la cosa: lo de siempre, 22 episodios de animalitos adorables y aburrimiento razonable” (Riera, 1996:61-62).

Soap Opera
En este género también incursionaron primero los japoneses "Heidi” fue su primer gran éxito y de ahí le siguieron otros, todos ellos basados en la literatura infantil. Son historias en donde intervienen un gran número de actantes, ya que se suelen apegar más a lo realista. La narración es más fluida y llena de sucesos.
En su definición se entiende como: "Género de carácter cotidiano que engloba a aquellas obras protagonizadas por las complicaciones ocasionadas por las relaciones
-generalmente de tipo afectivas- de los personajes protagonistas” (Riera, 1996:6) Algunos ejemplos los tenemos en: "Heidi", (1974) "Marco" (1976), "Remy" (1977), "Candy Candy" (1976), "Sandy Bell", "El Jardín Secreto", etcétera.
"Heidi" es una producción basada en el cuento de Joanna Spiry, fue realizada en 1974 por Isao Takahata y Hayao Miyazaki. "El personaje actuaba muy vívidamente. Por primera vez en la historia de la animación describía el desarrollo y crecimiento de una niña del campo como una flor silvestre sin ninguna violencia. El placer, la tristeza de Heidi era descrita de una forma muy realista, sin ninguna expresión exagerada, esto fue lo que conmovió a los espectadores” (Okada, 1988:25).

Fantástico
Muchos dibujos animados de este género provienen de la literatura infantil, el primer largometraje que se realizó bajo este género fue "Blanca Nieves y los siete enanos" (1937).
"El género fantástico tiene como fundamento una serie de sucesos extraordinarios que el espectador debe admitir como ciertos en la ficción a pesar de no creer en ellos en su vida real y da cobijo en la protección de su techo a una enorme variedad de posibilidades” (Bassa y Freixas 1997:11).
La literatura fantástica, (...) describe ambientes surreales de los cuales no podemos suponer que se puedan derivar del nuestro por medio de algún cambio en el nivel de la ciencia o la tecnología” (Asimov, 1982:14).
En el género fantástico existen elementos sobrenaturales mezclados con la realidad. Los personajes resuelven sus problemas gracias a la intervención de un agente sobrenatural: hadas o hechiceras, que encarnan el bien o el mal, pero también objetos que adquieren vida (botas, varita mágica), animales que hablan, seres que se metamorfosean.
Como ejemplos de dibujos animados fantásticos están: "Pinocho" (1940), "La Cenicienta" (1950), "La Sirenita" (1989), "Alicia en el país de las maravillas" (1951), "Peter Pan" (1953), "La Bella Durmiente" (1959), "La bella y la bestia" (1991), "Pocahontas" (1995)…
"La Cenicienta" fue realizada por Walt Disney en 1950, inspirado en el clásico cuento de Perrault. "Cenicienta es una hermosa joven que vive esclavizada en su propio hogar por la maldad de su madrastra y las dos hijas de ésta. Además de encargarse de todas las tareas domésticas, duerme en una miserable buhardilla y recibe los peores tratos. Cenicienta sólo tiene el consuelo de sus amiguitos los animalitos de la casa, como los ratones Gus y Jakc o el perro Bruno. Un buen día se anuncia que el príncipe heredero elegirá esposa durante el baile en palacio: es la oportunidad de Cenicienta para convertir sus sueños en realidad; pero su perversa madrastra no se lo pondrá tan fácil” (Moscardo, 1997:31).
Ahora bien, desde nuestro punto de vista, los géneros de dibujos animados de entretenimiento que se han citado, son los más representativos, pero aún así, hay que aclarar que pueden existir otros géneros, o bien, algunos que hemos ubicado en infantiles también podrían clasificarse como de aventuras, etcétera.
Mtra. Virginia Estela Reyes Castro.

CONOCIMIENTO, EVOLUCIÓN DEL DIBUJO ANIMADO

CONOCIMIENTO, EVOLUCIÓN DEL DIBUJO ANIMADO
Mtra. Virginia Estela Reyes Castro

Conocimiento y arte de los dibujos animados

A pesar de que hoy en día se vive a plenitud la cultura de la imagen, poco se sabe de los dibujos animados. Normalmente cuando se habla de este medio, inmediatamente nos remitimos a los personajes de Walt Disney sin adentrarnos más en el asunto, lo importante es que los dibujos animados comienza a ser objeto de estudio en diversos países y es abordado desde diferentes corrientes del pensamiento: psicológico, monográfico, sociológico, literario, artístico, etecétera.
Al principio, el trabajo del dibujo animado era artesanal, en la actualidad se aplican ciencias como las matemáticas, o herramientas como la computación para lograr mejores efectos en la realización.
¿Pero, qué son los dibujos animados? Podemos comenzar por decir que la animación es todo aquello que tiene movimiento. El cine muestra movimiento por lo tanto es animación, pero "cuando en la industria del cine se emplea la palabra animación, uno
se está refiriendo a un campo mucho más concreto...el término película de dibujos animados se reserva en sentido limitado al trabajo de aquellos artistas gráficos que crean sobre papel o sobre celuloide fases separadas del movimiento capaces de producir sensación de movimiento una vez que son proyectadas sobre la pantalla" (Halas, 1980:13).
En el cine de dibujos animados, explica Gabriel Blanco, el funcionamiento de la cámara es discontinuo, al dispararla sólo se le permite impresionar una imagen y a continuación se modifica la posición de lo que está ante ella -sean dibujos, muñecos, objetos o personajes reales etcétera- antes de obtenerse la siguiente imagen. De esta forma, al proyectarse esas imágenes de manera continua, se percibe un movimiento inexistente en la realidad (Gabriel Blanco, 1982:12-13).


El que hace dibujos animados debe estudiar los movimientos de todo lo que mira en su entorno para recrear sus personajes y ambientaciones.
Según Halas (1980:14) el que se dedica a hacer animación "debe apreciar los detalles característicos del movimiento del hombre y los ratones, del aire y del agua, de las máquinas y dragones, para citar varios ejemplos”
Además, el animador debe conocer las técnicas de pintado trazado, fotografía, música, efectos sonoros, narración y diálogo. Así como considerar el espacio y crear efectos en términos de tiempo y sonido.
El dibujo animado consiste, en términos generales, en una "serie de fotografías de cada uno de los dibujos sobre celuloide que representan las distintas fases del movimiento; cada fase del movimiento ocupa una veinticuatroava parte de un segundo” (Halas, 1980:21).
Para Gabriel Blanco (1982:13) el cine de dibujos animados tiene dos diferencias respecto al de imagen real:
1. No sólo crea con todas las características del lenguaje del cine, una historia con sus personajes y su escenografía, sino que además inventa lo más específicamente cinematográfico, los movimientos para esos personajes y esa historia.
Medina, (1992:129) afirma lo anterior al señalar "que el movimiento es vehículo de la historia del personaje y del tema. El movimiento crea una estructura para el paso del tiempo. Se relaciona íntimamente con la música, el diálogo y otros elementos de la parte auditiva del filme. El movimiento es la magia esencial del cine de dibujos animados”





Daniele Barbieri (1991:225) también sobre el movimiento comenta: "es característica la imagen en movimiento, como la del cine de animación que representa también -además de contar- una duración. (...) se trata de la diferencia entre lo que denominaba tiempo o duración (representado por una imagen) y tiempo o duración (contado por una imagen)”
En los dibujos animados se puede mover lo que se quiera y como se quiera; dar significado visual a cualquier idea e ir más allá de la realidad: En resumen existe más libertad de expresión en cuanto a forma y contenido.
2. Los personajes y la escenografía son dibujados (Blanco, 1982:13). Así por ejemplo, el dibujo ya permite incidir sobre la realidad con mayor libertad que la fotografía. La materia pictórica del dibujo animado tiene una gran ventaja expresiva, en relación con la imagen real.
El sentido de libertad en el dibujo animado estriba en que pueden ser pintados con imágenes fantásticas. Por ejemplo, la película “Fantasía” (1940) realizada por Walt Disney, "La animación comienza realmente con un mar de nubes por donde van apareciendo arcos de violines y otros instrumentos, como si la propia orquesta se fundiera mágicamente dentro de un mundo de animación totalmente abstracto. La combinación de imagen animada y notas musicales se produce dejando paso no sólo a la imaginación de animadores, sino a la fantasía de los propios espectadores, de forma que el arte abstracto juega poderosamente con las emociones y sensaciones que provocan las imágenes en un intento desesperado por captar visualmente las notas musicales” (Fonte y Mataix, 2001:72).
Sintetizando, se debe entender que para realizar dibujos animados hay que manejar un método de creación de imágenes en movimiento, en donde el autor inventa la acción ya que los objetos y personajes son dibujados, es decir los dibujos son obras originales creadas por las ideas que el autor se forma de las cosas, de los seres vivientes, de sus formas, de sus movimientos, de su significación y de su fantasía.

“Así que por sus diferencias excepcionales, por esta mayor densidad estética de partida y por sus distintas posibilidades expresivas tan superiores fuera del terreno del realismo, algunos han llamado a la animación el octavo arte, queriendo separarlo incluso del cine, dentro del cual supone quizás también una expresión tan apropiada para lo poético más universal” (Blanco, 1982:13).
En contraposición a sus múltiples posibilidades de creación e ideas para dibujarlos, la realización de películas de dibujos animados es muy lenta y muy costosa debido al gran trabajo que se requiere para dibujar a mano cada movimiento que realiza un personaje. Aunque en la actualidad con la ayuda de la computadora se pueden realizar más rápido y a un costo menor.
En la animación hecha totalmente a mano, intervienen cientos de dibujantes o animadores. "Un ejemplo: en una película un actor atraviesa una calle y lo hace en seis segundos, lo que representa 144 fotogramas (...) Un dibujante tendría que dibujar a Popeye en 144 dibujos, todos ellos diferentes y sucesivos lo que equivaldría a todas las posiciones distintas y sucesivas que haría el actor para atravesar esa misma calle” (Cine de Animación, Enciclopedia General Básica: p.161).
La animación dibujada a mano es una labor que en la actualidad ya no es muy funcional debido a que con el uso de la computadora la expresión estética es diferente, pues los personajes, los accesorios y los sets son modelos matemáticos que se derivan de esculturas digitalizadas por computadora. En la pantalla, ocupan un espacio, generan sombras y pueden ser manipulados como si fueran reales. Además, se pueden aplicar texturas y colores a superficies de tercera dimensión y utilizar una gran gama de efectos que en los dibujos hechos a mano no se podrían registrar.
En este sentido, el cine de dibujos animados ha evolucionado mucho desde sus comienzos. Al principio se dibujaba, en una misma hoja, al personaje y al fondo el paisaje. Esto exigía más tiempo, ya que para cada nueva posición tenía que repetirse el mismo dibujo con pequeños cambios. Fue la exigencia del tiempo lo que hizo que se descubrieran unas hojas transparentes de celuloide, técnica que permitió dibujar los fondos una sola vez. O sea, la hoja transparente con el dibujo del personaje se mueve después de que la cámara haya filmado una determinada posición. Pero el fondo siempre es el mismo si el personaje no cambia de lugar.
Una de las tecnologías que el dibujante John Randolph Bray aportó a la animación fue el uso de escenarios dibujados en celuloide transparente para ser aplicados sobre los dibujos a animar. "Estas patentes le dieron el liderazgo en el campo y le aseguraron un efectivo monopolio sobre sus competidores. Bray fue de igual manera advertido del peligro que encaraba Earl Hurd, quien había patentado una técnica alternativa en diciembre de 1914. Como una buena medida, Bray contrató al inventor/productor fílmico e hizo de él un socio en la Bray-Hurd Patent Company, una firma, la cual, vendía licencias de las técnicas patentadas. Hasta que sus patentes expiraron en 1932, la compañía ganó unas saludables ganancias de sus regalías” (Bendazzi, 1994:20).
Con el paso del tiempo los estudios se convirtieron en industrias, quienes tuvieron que perfeccionar las técnicas. Los animadores descubrieron que utilizando más de una hoja transparente podría ahorrarse mucho trabajo y conseguir efectos de mayor calidad. Esta técnica se llamó truca multiplana, que consistía en usar varias hojas transparentes para animar al personaje, dar efectos al humo de una fogata, y ver volar a una mariposa, por ejemplo.
Más adelante, se descubrieron los fondos con movimiento panorámico, para conseguir este efecto los dibujos panorámicos se hicieron más largos y sólo bastaba con mover un poco el fondo después de cada toma de la cámara para que el paisaje no fuese siempre el mismo.
Actualmente muchos trucos son realizados en computadora, como ya lo habíamos mencionado (...) "En 1982 los estudios Disney admitieron por primera vez la participación de la computadora en la película "Tron" (1982), y conforme se perfecciona la animación por computadora -que ya va ganando terreno- los diversos estudios la aprovechan como un instrumento más para reducir el trabajo y elevar su producción” (Medina, 1992:133).
Por ejemplo "Toy Story" (1995) una historia de un grupo de juguetes cuyos entornos adquirieron nuevas texturas con la tercera dimensión, ha sido el primer largometraje totalmente computarizado.
Con la técnica computarizada, render man, se realizó "Toy Story", tuvo la participación de alrededor de 100 dibujantes a diferencia de los 400 que puede llegar a ocupar un largometraje de animación hecha en dibujos como "Pocahontas” (Carbonel, 1996:42).
Existen otras técnicas de animación aparte del dibujo como son: películas con muñecos o siluetas, palillos, plastilina o fósforos etcétera, pero en esta investigación sólo se hablará de dibujos animados con estructura narrativa, es decir, al método de creación de movimiento imagen por imagen.
Una vez explicado lo que se entiende por dibujo animado y descrito las diversas técnicas que se utilizan para elaborarlos, en el siguiente apartado abordaremos los orígenes y su evolución.
Mtra. Virginia Estela Reyes Castro